Crítica: Mad Max: Fury Road.

Ficha técnica.

Director: George Miller.

Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Zoë Kravitz, Angus Sampson, Rosie Huntington-Whiteley.

Guión: Nick Lathouris, Brendan McCarthy, George Miller.

Fotografía: John Seale.

Música: Junkie XL.

Sinopsis: perseguido por su turbulento pasado, Mad Max cree que la mejor forma de sobrevivir es ir solo por el mundo. Sin embargo, se ve arrastrado a formar parte de un grupo que huye a través del desierto en un War Rig conducido por una Emperatriz de élite: Furiosa. Escapan de una Ciudadela tiranizada por Immortan Joe, a quien han arrebatado algo irreemplazable. Enfurecido, el Señor de la Guerra moviliza a todas sus bandas y persigue implacablemente a los rebeldes en una “guerra de la carretera” de altas revoluciones.

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Crítica.

Recuerdo como ayer, tras ver la película con mi hermano, éste me dijo que quería ver más películas de George Miller, pues ésta le había parecido brutal. Yo, casi riéndome, le dije que este director australiano de 70 años había dirigido, además de la trilogía original de Mad Max, las dos entregas de la saga Happy Feet y ese film noventero tan adorable como es Babe, El Cerdito Valiente.

Mi hermano, confundido, me preguntó que por qué no había hecho más películas, si Mad Max: Fury Road era el film con la mejor dirección que había visto nunca. Dejando aparte que mi hermano no ve mucho cine, y salvando esta pequeña introducción, he de decir que la pregunta de mi hermano y su posterior afirmación guardaban algo de verdad: cualquiera que vaya a ver la cuarta entrega de Mad Max podrá darse cuenta de lo que nos habíamos estando perdiendo relevando a Miller a la realización de películas infantiles como las ya mencionadas. ¿Te gusta Fast & Furious? No te preocupes: Mad Max: Fury Road la deja a la altura del betún.

La película comienza cuando Imperator Furiosa (los nombres no tienen desperdicio), a bordo de un camión de guerra, decida salvar a las concubinas de Immortan Joe y sacarlas de forma clandestina de la Ciudadela, lugar en el que residen. Cuando descubren su plan, tanto Imperator Furiosa como Max (el cual se une posteriormente a la huida) deberán escapar de varios ejércitos de coches en una persecución que ocupa toda la película. ¿Argumento interesante? Depende de para quién. En mi opinión es el transforndo perfecto para plasmar realmente lo que es el universo Mad Max: locura, coches estrafalarios y personajes que rozan la demencia. Eso, y acción. Mucha acción. Porque si algo destaca de Mad Max: Furia En La Carretera es esa hora y cuarto de persecuciones sin fin en lo que todo puede pasar y en la que Miller no da ni un segundo de respiro al espectador. Intentando no abusar del CGI (ciertamente, no se nota nada) y con una dirección mucho más artesanal de lo habitual, el director australiano consigue plasmar en la pantalla algo ciertamente complicado: belleza en el género de los blockbuster. Esto no es Fast & Furious ni Transformers. Aquí hay una fotografía espléndida, una banda sonora sublime y una paleta de colores que oscila siempre entre lo naranja (día) y azul (noche), todo ello adrezado con las escenas de acción más locas y mejor rodadas que un servidor ha visto en su vida.

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Y luego tenemos a los protagonistas: Max y Furiosa. Toscos, poco habladores (Tom Hardy no dirá más de una veintena de frases en toda la película) y con sus propias convicciones, no me cabe duda de que pronto se convertirán en verdaderos iconos del cine de acción, pues tanto Theron como Hardy bordan sus papeles. Respecto al resto del elenco destacar a Nicholas Hoult, el cual hace un buen papel en su rol de loco seguidor de Immortan Joe.

Y es que en eso consiste esta película: de personajes que oscilan entre la marginación y la locura en un trasfondo social en el que la lucha feminista de liberación da pie a la (poco elaborada, ciertamente) trama del film. Ahora bien, que nadie se alarme con lo de “lucha feminista”, pues la situación que se nos presenta en la película es más una “huida de esclavas sexuales” que una “lucha por los derechos de la mujer”. Esto lo digo por quien piense que Miller ha intentado hacer una crítica social al mundo en el que vivimos, cuando no es así: el mundo de Max es un mundo demente y en ese mundo Immortan Joe es quien esclaviza a las mujeres para procrear.

Queridos lectores, no sé si serán muchos o pocos, pero si quieren un consejo, vayan a ver esta película. Da igual que te gusta la acción o no. Da igual que seas un gafapasta o que tu actor favorito sea Vin Diesel. Da igual que tu película preferida sea cualquiera de T. Malick. Mad Max: Fury Road es el espectáculo visual definitivo, dos horas de verdadero cine que demuestran, una vez más, que la artesanía siempre superará al tan sobreutilizado CGI.

Señor Miller, ¿para cuándo una secuela?

Lo mejor: las escenas de acción son lo mejor que he visto nunca. El guitarrista.

Lo peor: que la critiquen por su pobre guión. ¿Qué esperaban? ¿Diálogos marca Trantino?

9/10

Crítica: Maps To The Stars.

Ficha técnica.

Director: David Cronenberg.

Reparto: Julianne Moore, Mia Wasikowska, Robert Pattinson, John Cusack, Olivia Williams, Carrie Fisher.

Guión: Bruce Wagner.

Fotografía: Peter Suschitzky.

Música: Howard Shore.

Sinopsis: un cuento moderno sobre la obsesión por la popularidad. Stafford Weiss es terapeuta y escribe libros de autoayuda. Tiene una mujer sobreprotectora, un hijo antigua estrella de la TV en rehabilitación y una hija que acaba de salir del psiquiátrico. La principal cliente de Stafford es una famosa actriz, a punto de interpretar el papel que hizo su madre en los años 60.

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Crítica.

Personalmente, nunca he sido un enamorado del cine de Cronenberg. Sí, Una Historia De Violencia y Promesas Del Este son grandes películas, pero tampoco me entusiasman de una forma tan grande como para compensar otras películas del director como Cosmopolis, la cual me pareció infumable.

Por ello, tenía bastantes dudas a la hora de ver Maps To The Stars. La crítica no había sido demasiado benevolente con ella, por lo que, cuando al final me decidí a verla, la esperanza de que me gustase rozaba el cero absoluto.

¿Qué sucedió cuando la acabé? ¡Sorpresa! Me había gustado. Y bastante. Por fin Cronenberg había aprendido la lección y había decidido hacer una crítica social (en este caso, al mundo de Hollywood) utilizando para ello una comedia negra que puede llegar a recordar al Woody Allen más inspirado (el de Manhattan, no el de Magia A La Luz De La Luna). Con grandes diálogos (virtud del guionista), los cuales se suceden de forma continuada sin música de por medio (la cual se reserva para escenas sin habla), y con los que Cronenberg consigue entrelazar una historia llena de referencias cinéfilas que se agradecen, la película consigue su objetivo sin resultar tan pretenciosa como su predecesora en el cine del director canadiense.

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Julianne Moore en una escena de la película.

Los actores están, en general, enormes. Cronenberg es un buen director de actores y en esta cinta lo demuestra claramente, sobretodo dirigiendo a un Evan Bird que, con 14 años, consigue realizar una de las actuaciones más potentes del film. El resto del reparto, encabezado por la reciente ganadora del Oscar Julianne Moore, y a la que siguen una correcta Mia Wasikowska y un enorme Robert Pattinson (que no nos engañe Crepúsculo: este chico es muy buen actor), cumplen con creces en sus respectivos papeles. En este aspecto, Maps To The Stars no flojea en ningún momento.

Entonces, ¿la película tiene fallos? Obviamente. En primer lugar, su final no es para nada redondo. Puede no gustar a muchos, sobretodo a aquellos que buscasen un “final Cronenberg”, marca de la casa. Yo, como ya he dicho, no soy un gran admirador del cine del director canadiense, pero aún así el final no me ha convencido demasiado. El segundo gran fallo, es el de desaprovechar (en mi opinión) la excelente banda sonora de Howard Shore, el cual me parece uno de los mejores compositores que hay en la actualidad. Aunque Cronenberg tampoco es que sea el director más partidario de rellenar escenas con música, para que engañarnos.

Y llegamos a la conclusión. ¿Es buena Maps To The Stars? Sí, aunque no es ninguna obra maestra. Es mejor que Cosmopolis, obviamente, pero no es la gran película de Cronenberg que todos sus fans podrían haber estado esperando. Quizás haya que aguardar hasta que al bueno de David se le ocurra llamar a Viggo Mortensen. Ya sabéis a qué me refiero.

Lo mejor: sus diálogos y su humor negro.

Lo peor: el final.

6’5 / 10

Crítica: Ex Machina.

Ficha técnica.

Director: Alex Garland.

Reparto: Domhnall Gleeson, Oscar Isaac, Alicia Vikander, Sonoya Mizuno.

Guión: Alex Garland.

Fotografía: Rob Hardy.

Música: Geoff Barrow.

Sinopsis: un programador multimillonario contrata a Caleb, un joven empleado, para que pase una semana en un lugar remoto con el objetivo de que participe en un test en el que estará involucrada su última creación: un robot-mujer donde la inteligencia artificial lo es todo.

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Crítica.

Había leído muy buenas críticas de esta película. Aunque no suelo guiarme por ellas, ya que a menudo la opinión de la crítica especializada y la mía difieren, decidí darles un voto de confianza y ver la opera prima de Alex Garland con la esperanza de encontrar algo nuevo, fresco e innovador.

Por desgracia, nada más lejos de la realidad. Esta película plagia en gran parte la idea de esa obra maestra llamada Blade Runner (la cual es, además, mi película favorita), mostrándonos una inteligente artificial (replicante) que solo desea que la traten como un humano de verdad. ¿Innovador? Para nada. ¿Original? Menos aún.

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La historia se desarrolla por completo en el complejo al que es invitado el protagonista de la cinta, Caleb, interpretado por Domhnall Gleeson, dando lugar a interminables planos de pasillos y estancias angustiosas y futuristas que recuerdan, sorpresa, al Nostrónomo de Alien: El Octavo Pasajero. Me da que Garland se repasó bien la filmografía de Scott antes de hacer esta película. El problema de que la acción se ejecute en dicho lugar (a veces se muestran bellos planos de la naturaleza que rodea la casa, sin más objetivo que el de rellenar metraje) es que la película acusa un ritmo lento y cansino que puede llegar a aburrir a aquellos que buscaban algo de acción (como hace entrever el trailer).

Y al final, llegamos a lo siguiente: ¿qué sacamos de la película? Blade Runner (su versión buena, la del montaje del director), tenía un mensaje: que hasta los androides quieren vivir por encima de todo. ¿Pero Ex Machina? ¿Tiene el mismo mensaje? Sí, y no. No se centra en una conclusión concreta, y es complicado que el espectador puede sacarla por si solo. En mi opinión, un intento fallido de Garland a la hora de intentar crear buena ciencia-ficción.

Lo mejor: las interpretaciones y los efectos especiales.

Lo peor: el ritmo y numerosas situaciones absurdas (la del brazo, por ejemplo).

5’5 / 10

Crítica: Kingsman: Servicio Secreto.

Ficha técnica.

Director: Mathew Vaughn.

Reparto: Taron Egerton, Colin Firth, Samuel L. Jackson, Michael Caine, Mark Hamill, Mark Strong.

Guión: Mathew Vaughn, Jane Goldman.

Fotografía: George Richmond.

Música: Henry Jackman.

Sinopsis: un veterano agente secreto inglés (Colin Firth) debe entrenar a un joven sin refinar (Taron Egerton), pero que promete convertirse en un competitivo agente gracias a un ultra-programa de entrenamiento, al mismo tiempo que una amenaza global emerge procedente de un genio retorcido. Adaptación del cómic de Mark Millar y Dave Gibbons.

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Crítica.

¿La verdad? Tenía muchas ganas de ver esta película. Desde que vi Stardust no me he perdido ninguna película de Mathew Vaughn, productor de la impresionante Snatch: Cerdos Y Diamantes, y Kingsman: Servicio Secreto no se iba a convertir en ninguna excepción.

Ahora bien, ¿ha cumplido con el hype? Pasemos a analizarla.

La película comienza con un ritmo bastante lento. De hecho, hasta la pelea en el bar, el film acusa de hacerse algo cansino y dar la impresión de normalidad. Sin embargo, después de dicha escena todo se va haciendo cada vez más rápido y dinámico, dando lugar a escenas verdaderamente impresionantes (la iglesia), combinadas con otras muy divertidas y surrealistas (la de las cabezas).

La trama en sí no es gran cosa ni pretende serlo, ya que la película no esta hecha para ser tomada en serio. Mathew Vaughn quería hacer una película de espías a la antigua usanza, como las de James Bond antiguas, pero dando su propio toque personal (la película es más próxima a Kick-Ass que a cualquier otra que haya hecho). ¿Lo consigue? Sí, sin duda, ya que Kingsman: Servicio Secreto es un film propio e impresionante, que logra algo bastante más dificil de lo que parece: ser una película de espías divertida y absurda que sin embargo, te emociona y te deja con ganas de más.

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Los actores están bien todos: Colin Firth cumple perfectamente como caballero inglés (como en casi todas sus películas) y agente secreto. Te lo crees en todo momento, demostrando por que es uno de los mejores actores británicos en activo.

Taron Egerton, el protagonista, no lo hace nada mal para ser su primer film. No es ningún prodigio de la interpretación, pero no desentona en ningún momento. Podría decir decenas de actores más famosos y más reconocidos que actúan bastante peor que este debutante inglés.

Los secundarios, encabezados por un malvado Samuel L. Jackson, el cual borda su papel, y secundados por un Michael Caine que hace, ni más ni menos, que de Michael Caine (el homologo blanco de Morgan Freeman), cumplen con sus personajes con creces, dando lugar a una hamalgama de actores digna de mención. Sin olvidar, obviamente, a un Mark Strong que cumple en todas y cada una de las películas en las que aparece.

La dirección es, sencillamente, brutal, destacando las escenas de lucha y la ya mencionada escena de la iglesia, acompañada de fondo por Free Bird de Lynyrd Skynyrd, además de contar con un ritmo que se acelera a la media hora y que se mantiene durante hora y media más.

¿Y el gran fallo de la película? Podría haber sido mucho, mucho más gamberra. No lo es tanto como la habían pintado.

A pesar de ello, Kingsman: Servicio Secreto es una grandísima película que debería ser estudiada por Sam Mendes para no volver a hacer un truño oscuro como es Skyfall. Porque Kingsman se la come con patatas.

Lo mejor: Colin Firth, sus escenas de acción y su humor.

Lo peor: es mucho menos gamberra de lo que podría haber sido.

7 / 10

Crítica: El Francotirador.

Ficha técnica.

Director: Clint Eastwood.

Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Jake McDorman, Kyle Gallner, Keir O’Donnell.

Guión: Jason Hall.

Fotografía: Tom Stern.

Música: Clint Eastwood, Ennio Morricone.

Sinopsis: autobiografía del marine Chris Kyle, un tejano que batió el récord de muertes como francotirador del ejército norteamericano. Kyle fue enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros. Su precisión milimétrica salvó incontables vidas en el campo de batalla, por lo que se ganó el apodo de “Leyenda”, pero la noticia de sus hazañas llegó hasta las filas enemigas. Se puso precio a su cabeza y se convirtió en objetivo prioritario de los insurgentes. En Irak, Chris participó en cuatro peligrosas misiones, aplicando el principal lema de los marines: “no dejar a ningún hombre atrás”.

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Crítica.

American Sniper aterriza en España después de pasearse, con gran éxito, en su país de procedencia, donde ha sido alabada y convertido en instrumento propagandístico del uso de las armas, y de las muertes sin control, para defender a los Estados Unidos.

Y la película, trata en parte, de eso: de cómo la violencia es necesaria para evitar más violencia, siempre que el que dispara primero sea el americano. Un mensaje mil veces repetido en el cine bélico americano y que, sinceramente, comienza a cansar, sobretodo para aquellos que no somos ciudadanos estadounidenses. Quizá ellos estén orgullosos de lo que hacen, pero no es así en el resto de países occidentales (o eso pienso yo).

La cuestionable política de ese país es llevada a lo más extremo, como no cabía esperar de otra manera, en un film de americanos, para americanos, y para americanizar a los demás. Eastwood presenta al patrio como al bueno, al extranjero como al malo, y justifica con escenas- inspiradas en mayor o menor medida, en la vida real de Chris Kyle, que, si sale de EE.UU., no puede ser malo.

Todo lo malo conocido de ese país, que es mucho, y algo bueno, es mostrado aquí sin pesadumbre ni desazón, y los minutos de la cinta avanzan, en esa parte, en repetir el mismo mensaje fervoroso sin rubor. Eastwood conoce bien la cuestión, y se entrega a una causa que aprueba sin condiciones.

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El otro apartado de la obra es el interpretativo. Se ha hablado de un Bladley Cooper enorme, pero la realidad  su trabajo no pasa de adecuado. Su personaje es cambiante en la manera que cabría esperar de alguien con una actividad tan sacrificada, pero nunca llega emocionar de verdad, ni a transmitir su pesar al exterior. Cooper realiza un laborioso esfuerzo de personificación de la obra en que se apoya la creación de Eastwood, y es más lo que queda por mostrar, que cuanto enseña. Posiblemente, el texto, lineal y directo, no permita más. A pesar de ello, no hace una mala actuación. Eso sí, no lo hace, ni de lejos, mejor que Tatum en Foxcatcher o Gyllenhaal en Nightcrawler, a pesar de su nominación.

American Sniper es una obra claramente menor en la filmografía de Clint Eastwood. No puede tomarse como un desacierto, pero sí es inadecuada la elección de unos hechos para un autor que ha entregado ejercicios mejores. Su gran lentitud, lo previsible de lo contado, la tranquila concordia-incluso con un Cooper atormentado por momentos-, que nunca agita al espectador, hacen de ella una película insustancial, apagada y fatigosa, que camina siempre bajo el peso de la verdadera leyenda, que es su director.

Lo mejor: su dirección.

Lo peor: su ritmo, y su excesiva promoción, que hacía prever otra obra maestra del señor Eastwood.

6 / 10

Crítica: El Destino De Júpiter.

Ficha técnica.

Director: Andy Wachowski, Lana Wachowski.

Reparto: Mila Kunis, Channing Tatum, Eddie Redmayne, Sean Bean, Doona Bae.

Guión: Andy Wachowski, Lana Wachowski.

Música: Michael Giacchino.

Fotografía: John Toll.

Sinópsis: Jupiter Jones nació bajo el cielo de la noche, y las señales apuntaban a que estaba llamada a grandes cosas. Aunque sigue soñando con las estrellas, su vida se reduce a la dura realidad de su trabajo como limpiadora de casas y a un sinfín de rupturas problemáticas. Y no es consciente del destino que la está aguardando hasta que Caine, un ex militar genéticamente modificado, llega a la Tierra para encontrarla; la razón es que Júpiter forma parte de una cadena genética extraordinaria que podría alterar el equilibrio de todo el Universo.

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Crítica.

Personalmente, no esperaba mucho de esta película. Nunca me gustaron demasiado los hermanos Wachowski (sigo pensando que Matrix es un plagio de Dark City, y que El Atlas De Las Nubes es su mejor película), pero lo de El Destino De Júpiter es el colmo de la idiotez.

La historia versa, básicamente, sobre la disputa de tres hermanos (extraterrestres) en base a la herencia de su fallecida madre, y lo que supone para la Tierra la culminación de dicha herencia. No me adentraré mucho más para no spoilear, pero si puedo decir que el argumento es lo más absurdo que he visto en el cine en mucho, mucho tiempo. Hasta Transformers tiene más lógica que esta película.

Si es cierto, que hay dos formas de ver esta película: por una parte, desde el punto de vista palomitero: si dejas el cerebro en casa y lo recoges a la vuelta, hasta puede que disfrutes viendo a Channing Tatum volar de ahí para allá con las botas de Regreso Al Futuro (a estos Wachowski les gusta el palgio), como si de un saltamontes se tratara.

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La otra forma, claro está, es esperando encontrarte con una digna sucesora de Matrix. En ese caso, coge tu dinero y paga por ver Birdman o El Francotirador, porque no vas a encontrar eso en ningún momento. De hecho, esta seguramente sea la película más tonta que haya visto desde hace mucho; no solo por la absurdez de su argumento, sino porque hay situaciones (la de las abejas o la secuencia de los funcionarios) que son una completa desfachatez y un insulto a la inteligencia del espectador.

Pero bueno. ¿Es qué esta película no tiene nada bueno? Sí, si lo tiene, y su nombre es Channing Tatum (pues tanto Mila Kunis como Eddie Redmayne dan pena), que da el todo por el todo interpretando al único personaje salvable de la película: Cane, medio humano medio lobo, (que no hombre lobo), mercenario y solitario, que da juego y ritmo con las espectaculares escenas de acción (bien rodadas, todo sea dicho) y que es el único que tiene un poquito de carga emocional. Pero poquito, vamos.

¿Merece la pena pagar por ver El Destino De Júpiter? En mi opinión, no. Para eso paga por ver otra película mejor, aunque quieras un blockbuster. Pretende ser una Guardianes De La Galaxia con un trasfondo político y emocional, pero no lo consigue en ningún momento.

Lo mejor: Channing Tatum y las escenas de acción.

Lo peor: lo demás.

4 / 10

Crítica: Nightcrawler.

Ficha técnica.

Director: Dan Gilroy.

Reparto: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Riz Ahmed, Bill Paxton, Kevin Rahm, Ann Cusack.

Guión: Dan Gilroy.

Música: James Newton Howard.

Fotografía: Robert Elswit.

Sinópsis: tras ser testigo de un accidente, Lou Bloom (Jake Gyllenhaal), un apasionado joven que no consigue encontrar trabajo, descubre el mundo del periodismo criminalista en la peligrosa ciudad de Los Ángeles.

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Crítica.

La película del primerizo Dan Gilroy se levanta sobre dos sólidos pilares: Un ritmo trepidante y una despiadada crítica tanto a los medios de comunicación como al morbo que mueve a la sociedad a devorar las noticias de sucesos turbios. Todo esto de la mano de la impresionante interpretación de un Jake Gyllenhaal de aspecto inquietante, la música del siempre fantástico Newton Howard y una potente fotografía que retrata la cara más sórdida de la noche de Los Ángeles.

No son pocos los que se han aventurado a realizar comparaciones entre «Nightcrawler» y otras películas, ya sea en cuanto a la temática como en cuanto a la forma, y es que es inevitable recordar la demoledora crítica al morbo televisivo de «Network» o el desequilibrado personaje, obsesionado por la fama y la notoriedad y capaz de hacer cualquier cosa para alcanzarla que interpretaba Robert De Niro en «El rey de la comedia», así como las escenas nocturnas de Los Ángeles recuerdan en cierta medida a otra película de Scorsese, «Al límite», solo que las sirenas de ambulancia y policía en este caso retumbaban en las calles de Nueva York.

Pese a sus reminiscencias y pese a compartir a ratos forma y a ratos sentido crítico con obras anteriores, «Nightcrawler» es una película que ni depende ni hereda descaradamente de nadie. Escoge un original punto de partida y progresivamente va subiendo de nivel e incrementando el tono, que cada vez se torna más oscuro y enfermizo. Para ello se vale de un efectismo que resta credibilidad tanto a lo que ocurre como a la evolución del protagonista, y uno se pregunta si la película no podía llegar al mismo punto sin necesidad de forzar más de lo normal algunas situaciones.

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Apuesto a que sí, pero soy de aquellos que no se molestan por lo forzado y poco creíble mientras este efectismo sirva a un fin coherente, y en este caso lo hace: el vertiginoso ritmo conseguido con un montaje rápido y fluido, una música perfectamente utilizada y un gran manejo del suspense, unido a la inestimable labor de Gyllenhaal consiguen tapar estas carencias –aunque no una cierta repetitividad que le achaco– y consiguen el resultado que supongo esperado: Una crítica brutal como trasfondo en un thriller enfermizo y perturbador, una experiencia de las que dejan huella, ya sea grande o pequeña.

Lo mejor: Jake Gyllenhaal, su crítica social.

Lo peor: ¿cómo nominan a Cumberbatch y no a Gyllenhaal?

8 / 10